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Afroamerikanische Marmorierung – ein Akt des zivilen Ungehorsams: Hair Sanctuary, 2021Zement, Holz, Stahl, Marmorstaub, Porzellan, Wasser

Fotos: Scott Lynch; Sofie Kjørum Austlid

Gebaut mit häufig gefundenen Schlackenblöcken um ein Wasserspiel, Afroamerikanische Marmorierung – ein Akt des zivilen Ungehorsams: Hair Sanctuary bietet Raum für Reflexion und Gespräche. Die Verwendung feiner Porzellan-Ton-Elemente in der Installation erhebt dieses persönliche und intime Thema zu einem geschätzten und geheiligten Bereich. Die kollaborative Skulptur zeigt Haarpicks und begleitende Hörgeschichten, die eine Reihe von geschlechtsspezifischen und rassistischen Erfahrungen erzählen, von denen viele Haare und Haarpflege als eine Art Zufluchtsort feiern.

Anmerkungen zur afroamerikanischen Marmorierungsserie

„Die Serie besteht aus drei Komponenten: Objekte, Fragmente und architektonische Struktur.

Fragmente: Diese Stücke werden in Ton geformt und dann in Marmorstaub gegossen. Die Stücke werden dann weggemeißelt, um ein fragmentiertes Aussehen zu haben. Die Fragmente werden oft in Räumen installiert, in denen ich Mikro-/Makro-Aggressionen erlebt habe. Die Stücke werden von einem Schild begleitet, das die Aggression benennt, in der Hoffnung, die Gemeinschaft zu erziehen und als Quelle der Heilung für mich selbst.

Objekte: Ich recherchiere Objekte aus meiner Vergangenheit und nutze dann meine Gegenwart, um ihre Struktur zu informieren. Zu den Objekten können ein Fetttopf mit Lockenmustern, Afropicks, Mädchen, die Dinge tun, die spezifisch für meine Kultur sind, oder andere Objekte der afrikanischen Diaspora gehören, die ich gerne erkunden möchte.

Architektonische Skulptur: Sol Lewitt verwendete in seiner Arbeit manchmal Zementblöcke und Anleitungssets. Diese Aspekte haben meinen Prozess inspiriert. Darüber hinaus untersuche ich auch die Körperlichkeit der Arbeit, die mit dem Gesamtprozess verbunden ist. In Farbgemeinschaften bedeuten diese Blöcke oft Fäulnis oder Verfall. Ich interessiere mich dafür, diese Objekte zu nehmen und ihre Möglichkeiten auf kollaborative Weise neu zu erfinden. Ich recherchiere mit Architekten, Industriedesignern und anderen Künstlern.“

 

Über die Künstler

Yvonne Kurz

Bild von Richard West.

Ms. Shortt ist eine Installationskünstlerin für soziale Praxis. Die Stücke, die sie kreiert, stammen aus dem, was sie als afroamerikanische Frau in ihrer Gemeinde lebt. Die Stücke hinterfragen Privilegien, Behinderung, Rasse, Gleichberechtigung. Letztendlich schafft sie Dialog und Aktion

In Ms. Shortts aktueller Serie African American Marbleization: An Act of Civil Disobedience geht es darum, farbige Menschen, ihre Kultur und die von ihnen verwendeten Gegenstände zu feiern. Die Stücke werden entweder in einem Ofen gebrannt, um Porzellan herzustellen, oder in Marmorstaub gegossen. Manchmal verarbeitet Ms. Shortt auch andere Materialien wie Holz oder Stahl. Der Ton, den sie verwendet, wird manchmal aus Bächen in ihrer Gemeinde geerntet und in einer Grube gebrannt. Sie interessiert sich für Textur, Taktilität und Prozess.

Frau Shortt arbeitet derzeit an Stücken für das Queens College, das Marymount Manhattan College, Myers House, ArtLot, den Norwalk Art Space, das Ely Center of Contemporary Art, NYC Parks und mehrere andere Outdoor-Locations in NYC. Sie kuratiert auch mehrere Skulpturengärten, entwirft und installiert Gesprächsräume und baut ein Boot, um den Hudson River zu befahren, Ton zu ernten und Erzählungen zu teilen. Ihre Philosophie – Nutzen Sie Ihre Chance!

Instagram: @yvonne_shortt

Jenna Boldebuck

Mein Name ist Jenna Boldebuck und ich bin Künstlerin und Designerin und lebe in New York City. Seit meiner Kindheit interessiere ich mich dafür, wie die gebaute Umwelt die Muster und Rhythmen des täglichen Lebens beeinflusst. Als Kind bin ich viel umgezogen und an jedem Ort, an dem wir lebten, habe ich beobachtet, wie meine Umgebung einen tiefgreifenden Einfluss darauf haben kann, wie ich gespielt, gelernt und gefühlt habe. Ich wollte das in der Schule studieren, also ging ich an die University of Colorado, um Architektur zu studieren. In der Schule habe ich es genossen, Modelle zu bauen und mich körperlich mit verschiedenen Materialien auseinanderzusetzen. Ich liebte es, kleine Aufgaben wie das Schneiden von Pappe mit einem Exacto-Messer zu wiederholen und zu versuchen, mein Handwerk mit jedem Schlag zu verbessern. Allerdings war mir der Maßstab der Architektur zu groß. Ich wollte durch meine Designarbeit enger mit Menschen in Kontakt treten.

Nach meinem Abschluss setzte ich mein Studium an der School of the Art Institute of Chicago fort, wo ich Entworfene Objekte studierte. Meine Arbeit dort drehte sich um Muster und Wiederholungen. Ich wollte Objekte entwerfen, die Bedeutung in die täglichen Rituale der Menschen einbetten. Ich interessierte mich sehr dafür, wie Menschen Fähigkeiten erlernten und entwickelten. Ich hinterfragte die Arten von Beziehungen, die Menschen mit Werkzeugen und Objekten entwickelten, die sie wiederholt verwendeten. Wie hat die Beherrschung der in der eigenen Umgebung verfügbaren Werkzeuge dazu geführt, dass sie sich stärker fühlten? Welche Rolle spielt der Industriedesigner dabei, Menschen die Kontrolle über ihre gebaute Umwelt zu geben? Um diese Fragen zu beantworten, begann ich mit dem Studium frühkindlicher Entwicklungstheorien und interessierte mich für Lose-Teile-Theorien, die untersuchen, wie die Eingabe von mehr Variablen in die gebaute Umwelt Menschen (insbesondere Kindern) mehr Kontrolle und Autonomie verleiht.

Als ich die Schule verließ, entwickelte ich mein Interesse an Lernumgebungen durch ein Praktikum bei Argyle Design, einer Firma, die sich auf Ausstellungen für Kindermuseen spezialisierte. Kurz nach meinem Praktikum begann ich bei Guidecraft zu arbeiten, einem Unternehmen, das Spielzeug und Ausstattung für frühkindliche Klassenzimmer entwirft und herstellt. Ich arbeite immer noch mit Guidecraft, während meiner 7-jährigen Tätigkeit dort habe ich 3 Spielzeugsysteme entwickelt: IO Blocks, Block Science und Coral Connections. Jedes Spielzeug hat einen einzigartigen Charakter, aber alle sind offene, modulare Konstruktionssysteme, die Kinder dazu einladen, ihre eigenen Ergebnisse zu schaffen.

In NYC begann ich auch mit Yvonne Shortt zusammenzuarbeiten. Wir haben an zahlreichen Kunst- und Designprojekten in verschiedenen Gemeinden in der ganzen Stadt gearbeitet. Ein solches Projekt war Women Who Build, Artist Who Own. Wir haben mit über 200 Freiwilligen ein mobiles Studio entworfen und gebaut. Gemeinsam lernten wir grundlegende Konstruktionsfähigkeiten und teilten unsere neu gefundenen Fähigkeiten mit der Community. Yvonne und ich haben weiterhin zusammengearbeitet und Ideen entwickelt, wie wir Menschen durch Kunst und Design stärken können.

Im Jahr 2020 begannen wir mit Kelly Li zusammenzuarbeiten, als wir untersuchten, wie Cinder Blocks urbane Räume verändern und die Skulpturen beherbergen könnten, die Yvonne in ihrer „African Marbleization Series“ schuf. Cinder Blocks verunreinigen unsere städtische Umgebung. Es sind billige offene Formen, die leicht erhältlich sind, aber weil sie so alltäglich sind, wird ihr Potenzial als kreatives Objekt oft übersehen. Während wir mit Cinder Blocks experimentieren, hoffen wir, sie zu Ortmachern in der städtischen Umgebung zu machen, neue Paradigmen des Gemeinschaftsraums zu schaffen und andere dazu zu inspirieren, dasselbe zu tun.

Instagram: @jboldy38

Kelly Li

Kelly Li ist eine Architekturdesignerin, die derzeit in New York lebt. Ihre jüngste Arbeit bei 1100 Architect umfasst die Entwicklung eines Prototyps für eine modulare Komfortstation, die mit dem Preis „Excellence in Design“ der Public Design Commission von NYC ausgezeichnet wurde. Sie ist 2021 Public Access Design Fellow am Center for Urban Pedagogy und schloss ihr Studium mit Bachelor in Architektur und Sozial- und politischer Geschichte an der Carnegie Mellon University ab.

Kelly strebt danach, an der Schnittstelle von Architektur, Kunst, Umwelt und Bildung zu arbeiten. Über die Architektur hinaus hat sie zuvor im freiberuflichen Design für Spin350 Creative und evolutionEA gearbeitet, K-12-Kunsterziehung am Carnegie Museum of Art und Gelfand Learning Center unterrichtet, sich in gemeinnütziger Arbeit bei Assemble Pittsburgh versucht und Wandbilder mit einer Größe von 200 bis 4000 Quadratmetern gemalt Fuß in ganz Massachusetts und New York. Sie hat am Miller Institute for Contemporary Art mit ihrer Arbeit mit dem Titel „Water Imperatives: Reframing Systems for Viable Water Futures“ ausgestellt. Sie begann ihre Zusammenarbeit mit Yvonne Shortt und Jenna Boldebuck im Jahr 2020 im Elmhurst Sculpture Garden für die Serie „African American Marbleization“.

Website: kellyli.net

Instagram: @_kellyli

Audioguide

Klicken Sie unten, um zu hören, wie die Künstlerin Yvonne Shortt über ihre Arbeit spricht.

Audiotranskript auf Anfrage erhältlich.

 

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